10 fantastiske scener i musikhistorie

Efter den overraskende succes i min første liste (som jeg mener, at det ikke straks blev kastet på den virtuelle spidsbunke), følte jeg mig inspireret til at skrive en anden. Denne liste fokuserer på nogle af de bedst elskede scener i musikalsk teaterhistorie og dækker cirka seksogtres år. Det er overflødigt at sige, at det er svært at sammensætte seks årtier i 5000 ulige ord, men man forsøger.

I modsætning til i min sidste liste er ikke alle de musikaler, disse scener er fra, succesfulde eller mindeværdige, men scenerne selv er klassiske, innovative eller udstiller store talent. Jeg har været sikker nok til at gå ind i langt mere detaljeret denne gang, selvom jeg også har forsøgt at sørge for ikke at gentage noget, der allerede var besøgt i den sidste liste. Jeg kan forsikre Dem om, at min misfornøjede entusiasme for musikaler er tilstrækkelig til at udfylde to lister. Måske tre. Hmmm.

10

Singin 'i regnen Singin' i regnen (1952)

http://www.youtube.com/watch?v=rmCpOKtN8ME

En staude klassiker, Singin 'i regnen producerede en stjerne i 19-årige Debbie Reynolds, mens den yderligere cementerede genialiteten af ​​Gene Kelly. Det producerede også sin co-star Donald O 'Connors mest mindeværdige og populære dansesekvens, "Make' Em Laugh", hvor han udstillede sine anstrengende, akrobatiske dansevner. Scenen er blevet genskabet mange gange siden, på shows som Glee (desværre) og Oscars.

Men den mest berømte scene er utvivlsomt titelsangen, på grund af det uforglemmelige billede, det overfører Gene Kelly, paraply i hånden, dansende i regnen. Det er svært at vælge hvad der bliver en øjeblikkelig klassiker, men siden starten er denne scene blevet genskabt, hædret, refereret og spoofed flere gange end måske nogen anden scene i biografen. Det blev også remixet ret for nylig i en bemærkelsesværdig Volkswagen reklame.

En af de mest fængslende ting om denne scene er, hvordan poleret og strengt koreograferet det forekommer, mens bag kulisserne var det alt andet end. Mange mennesker er opmærksomme på historien om, at Gene Kelly er ekstremt syg, mens han rammer denne scene. Hvis han nægter at forlade sættet, indtil han kunne løbe gennem scenen mindst en gang, er legen det, at den blev skudt i ét tag, med meget begrænset blokering. Forestillingen om et så klassisk stykke biograf, der skabes i en kortvarig optagelse, er meget romantisk og har fanget fantasier fra skuespillere og publikum siden.

Regnen selv var lavet af vand og mælk for at gøre det tykkere og mere synligt på skærmen. Tappingen af ​​Gens sko blev også kaldet senere, og det blev også gjort for meget af Debbie Reynolds 'tapping i filmen. På trods af disse klare tekniske detaljer ville seeren aldrig vide, hvad der var gjort for at få scenen til at fungere. Sangen, parret med Gene Kelly's ubestridelige talent, skabte en klassisk scene i biografen og en af ​​de største i danshistorie.

9

To små piger fra Little Rock Gentlemen Prefer Blondes (1953)

http://www.youtube.com/watch?v=iqBIhPOFA5w

Selvom det ikke er et særligt godt eksempel på enten Marilyn Monroe eller Jane Russells bedste sang eller dans, var denne sang åbningsscenen i Gentlemen Prefer Blondes, den film, der lancerede Marilyn Monroe til stjernestatus. Marilyn havde optrådt i et par succesfulde film før denne produktion, som Monkey Business (1952) og Niagara (1953), men det var først, indtil gentlemen Prefer Blondes, at hun opnåede stor opmærksomhed. På dette tidspunkt blev hun stadig betragtet som en mindre berømt skuespillerinde end Jane Russell, og hun er derfor faktureret under Jane's i åbningskreditterne.

På det tidspunkt, hvor herrer blev optaget, havde hun modelleret en persona af smuldrende sex appeal, indpakket i en næsten naiv, vidøje uskyld. Marilyn blev angiveligt fortalt under gentagelse af gentlemen, at hun skulle nedtones af denne seksuelle magnetisme, som undertiden kunne blive lidt for intens for den søde, velunderlige (men lidt konjakkende) rolle, hun spillede (Jane Russell blev angiveligt fortalt at tone det op). Imidlertid begyndte hun bare at slå et akkord med den filmlige offentlighed med denne beregnende seksualitet, og det forblev et populært aspekt af hendes skuespil.

I denne berømte scene introduceres vi til Jane Russell og Marilyn Monroes figurer i blændende Technicolor. Det var kun anden gang publikum havde hørt Marilyn synge (den første var i en 1948 B-film kaldet Ladies of the Chorus) og et af de tidlige glimt af hende med platinblonde låse, der skulle blive hendes underskrift (før abe Erhverv, hun havde prøvet flere forskellige nuancer af blonde; i Do not Bother to Knock (1952) hendes hår er mere en gullig, gylden skygge end den hvide blonde vi er bekendt med).

Det må have været klart for filmgamer, da de så denne blonde bombehule eksplodere på scenen i hendes prangende røde paladser, at de så på en ægte stjerne, en kvinde af ufattelig skønhed og desværre undervurderet talent. Hun holder sig let op med sin mere erfarne co-star og glæder sig over den pustende, drømmende sangstemme, der skulle blive et af hendes berømte varemærker.

I hele sin ret korte karriere var Marilyn normalt typecast som smukke men idiotiske sexpots. På trods af denne person på skærmen havde hun en dyb interesse for psykoanalyse, meget liberale overbevisninger (især om lige rettigheder) og blev sagt af tredje mand (og forfatter af skuespillet The Crucible), Arthur Miller, at være en hengiven køber af bøger. Der er en tilbagevendende rygte om, at hun havde en IQ på over 160, hvilket hvis det var sandt ville gøre hende meget mere end gennemsigtigt intelligent.Sikkert meget mere intelligent end en bestemt amerikansk præsident, er hun rygter om at have romanseret på det slimme. Men "IQ rygter" er kun en af ​​mange, der fortsatte med at overflade i årene efter Marilyns død, nogle mere kontroversielle end andre. Hendes ofte meget kloge bemærkninger tyder på, at hun var langt fra uintelligent, engang quipping: "Taler om Oscars, ville jeg vinde overvældende, hvis akademiet gav en Oscar til faking orgasmer. Jeg har gjort nogle af mine bedste handlinger overbevisende mine partnere, jeg var i øget ecstasy. "

Men hun kunne aldrig rigtig kæmpe mod den hyppige typecasting, selvom hun formåede at afvige fra sin blonde ditz rolle i nogle af sine film, som Niagara, Bus Stop (1956) og The Misfits (1961). Trods hendes succes var Marilyns liv også meget bekymret. Mod slutningen af ​​hendes liv var hun meget syg og led to miskarrierer. Gennem hele sit liv led hun af depression og staver af vilde selvdestruktion. Hun ville vise sig at filme sent, dazed, addled af piller, og nogle gange ville ikke komme op. Hun blev bredt sprængt som værende et mareridt at arbejde med, på grund af hendes uprofessionelle opførsel og problemer med alkohol og narkotika.

En af disse episoder var på sættet Prinsen og Showgirl (1957), hvor den anerkendte skuespiller Laurence Olivier ofte angreb Marilyn for hendes tardiness og for at glemme sine linjer. Marilyn følte, at hun blev gjort til at føle sig utilstrækkelig og uønsket af den engelske store (dog efter hendes død ville han udtrykke sin forvirring for, hvordan hun var hensynsløst udnyttet af industrien). Men hun fortalte også mere lysende om, hvordan hun havde appetiseret ham, da han en dag havde "givet sit helvede" om at "skrue op": "Jeg beroligede ham ved at fortælle ham, at jeg troede, at hans Hamlet (1948) var en af de største film nogensinde lavet. Du ved, han vandt en Oscar for det. "

8

Pige jagt bandvognen (1953)

Denne scene, fra filmen The Band Wagon, er et lille stykke fra filmens klimaks. Filmen er centreret om den forfaldne Hollywood-skuespiller Tony Hunter (Fred Astaire), der føler at hans stjerne er aftagende, og at hans berømmelse tørrer op. Han er overtalt til hovedrollen i en lysende musikalsk, som hans to forfatterskvinder har skabt. De anvender misguidedly Jeffrey Cordova (Jack Buchanan), en skuespiller og direktør med mange shows, der kører samtidigt på Broadway, for at hjælpe med i produktionen.

Melodramatisk, og lidt prætentiøs, bliver Cordova straks den maleriske musikalske til et stormagtigt drama, komplet med komplekse mekaniske sæt, der til sidst funktionsfejl og ødelægger premiere af showet. Han anvender også den statueske balletdanser Gabrielle Gerard (Cyd Charisse) til stjerne ved siden af ​​Tony. De to oprindelig sammenstød, men kommer i slutningen til at gøre showet til en succes.

Efter at Cordovas produktion kollapser, overbeviser Tony ham om at vende tilbage til hans venners originale sange. Disse omfatter en montage med titlen "Girl Hunt", som er et spoof af kriminalfilm og de "hårdkogte" detektiver, der ofte vises i den. I denne scene spiller Fred Astaires karakter en gruffdetektiv på jagten efter de slemme blonde, der spilles af Cyd Charisse's karakter Gabrielle. Gabrielle spiller også en sultrig, "farlig" brunette, som forsøger at forføre detektivet.

Cyd Charisse og Fred Astaire var begge ekstraordinære dansere, som denne scene utvivlsomt viser. Cyd Charisse blev bogstaveligt talt opdrættet for at være en danser og holdt det i agt over ens acting. Hendes ben var forsikret for 5 millioner dollars, og hun er en af ​​de få kvinder, der har danset med både Fred Astaire og Gene Kelly. Andre er Rita Hayworth, Debbie Reynolds og Judy Garland.

Fred Astaire var kendt for sin utrolige nåde, hans perfektionisme og lethed af munden. Gene Kelly blev ofte bemærket for sin styrke og styrke, mens Fred Astaire var mere præcis og undertiden anset for mere koordineret. Selv selv Cyd Charisse selv forblev meget diplomatisk i sagen og kommenterede i sin selvbiografi: "Det er som at sammenligne æbler og appelsiner. De er begge lækre. "

7

Rich Man's Frug Sweet Charity (1969)

For at hoppe frem omkring 16 år var Sweet Charity ikke heldig nok til at blive født i 1950'erne, hvor tvivlsomme plot og søde-til-en-skyld-heltemodninger generelt blev tilgivet, hvis de musikalske tal succesfuldt forsonedes for det. Sweet Charity-stjernede danser, sanger og skuespiller Shirley MacLaine, der tog en af ​​filmens sange "Hvis mine venner kunne se mig nu" som hendes varemærke.

Filmen bærer også en anden staude favorit, "Hey, Big Spender." Selve filmen følger Charity Hope Valentins misadventures (jeg fortalte dig, hun var sød), en naiv danser til udlejning, aka prostitueret. På trods af at det konstant udnyttes i livet og falder i hårde tider, forbliver hun håb. Hendes drømme synes at være blevet rigtige, når hun forlader den seedy dansehall hun arbejder i, og møder Oscar Lindquist (John McMartin), som synes at være forståelse for hendes ex-profession, selvom han senere kæmper med ideen.

Lavet i slutningen af ​​60'erne, kunne denne musikalske udfordre at tackle problemer, som tidligere musikaler ikke kunne. Prostitution blev ofte antydet i film i 30'erne, 40'erne og'50'erne, som det var seksuel promiskuitet (Bette Davis's Jezebel (1938) og Joan Crawford's The Damned Do not Cry (1950) forår til at tænke), men moralsk tvivlsomme kvinder blev sædvanligvis straffet straks af ydmygelse eller hjertesorg, eller blev dræbt (Bette Davis's 1931 Waterloo Bridge er et eksempel på sidstnævnte).

Sommetider blev seksualitet antydet ordløst for at undgå censurens vrede.Cyd Charisse og Marilyn Monroe var ofte "censorofre", hvilket betyder, at de blev nøje overvåget for at sikre, at der ikke blev vist uhensigtsmæssige mængder hud eller at de overlejrede mærket, når det gjaldt deres sexappel. Cyd Charisse udtrykte sin underholdning med denne opmærksomhed og sagde: "Censorerne var altid der, da jeg var på sættet. Da jeg blev holdt op i en elevator, stod de op på stiger for at se om jeg var ordentligt dækket. "

Men i Sweet Charity Charity siger alle, at hun sover hos mænd for penge, men er aldrig skammet eller dræbt for sine handlinger. Hvordan man håndterer dette problem, gjorde filmen af ​​filmen helt uensartet. Ross Hunter (producent af 1967 grundigt moderne Millie) var oprindeligt set til producent, men faldt ud på grund af uenigheder med direktør Bob Fosse om, hvordan man håndterer det sarte problem med prostitution. Ross Hunter var ikke kendt for hans smag af gritty realisme, så det er muligt, at han ikke ønskede at være velgørenhedens erhverv, som helst.

Storms i teacups til side, "Rich Man's Frug" er en usædvanligt velkoreograferet og uhyggelig scene, hvor Charity ledsager en berømthed til en eksklusiv klub og ser på gulvet. Musiknummeret ser også ud til at satirisere karakteren af ​​berømthed og velgørenhed, der skaber en scene, der er ret bizar og outlandish, komplet med cheetahs i bur og udførlige marmorstatuer. Scenen dræber også næsten i tresserne, og er meget trofaste til stil og udseende af tiden, og alene er det meget mindeværdigt og behageligt at se. Du forventer næsten Austin Powers at gå ud på ethvert tidspunkt.

6

Summer Nights Grease (1978)

For at hoppe frem i yderligere ni år skubber Fedt igen konvolutten, når det kommer til tabuemner. I denne film er teenage sex, drikkeri og rygning stærkt i historien (selvom lyricisten gør sig sikker på at nævne, at Sandy og Danny er "atten" og derfor i det mindste en alder af samtykke). I stedet for at vige væk fra fakta, maler musiknummeret "Summer Nights" et realistisk billede af en gymnasium: drengene er næsten alle fascinerede med sex, pigerne kan være smålige og to-ansigtede. Der er en åbenlyst rivalisering mellem Sandy og Rizzo, som ikke deler de andre pigers interesser i Sandys sommer romantik med Danny, mens Dannys venner er mere interesserede i "hvor langt" Danny fik med Sandy end noget andet.

Denne elskede musikalske blev vedtaget fra scenen og ændret for at passe til, at Olivia Newton-John var australsk (måske kunne hun ikke gøre en overbevisende amerikansk accent?), Hvilket gør Sandy ikke en amerikansk pige, men en australsk udvekslingsstudent. Afhængig af produktionen har optræden af ​​denne musikalske siden valgt at beholde denne ændring eller ej (produktionen i min gymnasium valgte at beholde Sandys australske arv, overraskende).

Censorerne nedsænkede stadig deres tænder ind i filmens mange seksuelle referencer og sørgede for, at nogle af de mere rå referencer blev skåret. Måske af frygt for unødigt at bide censorerne, besluttede producenterne for at caste Harry Reems som Coach Calhoun på grund af sin vælte overbevisning om "sammensværgelse for at fordele uanstændighed på tværs af statslinjer" og hans bånd til voksne film. Stockyard Channing, der spillede den promiscuous Rizzo, hævdede i et interview, at hickeys på hendes hals i et af scenerne var virkelige, og at Jeff Conaway "insisterede på at anvende dem selv." Selv om jeg personligt mener, at denne påstand mere exemplificerer Stockyard's sure white end nogen usædvanlig fungerende metoder.

"Summer Nights" scenen forekommer tidligt i filmen, og er uden tvivl den mest kendte og bedst elskede af alle fedt scener. "Du er den, jeg elsker" og "Smurt Lyn" er også tilbagevendende og varige favoritter, men "Summer Nights" er den eneste sang, der vises i en insektafvisende kommerciel, så den tydeligvis overskrider listen. Det gav i et ganske kort tal en stor indsigt i 1950'ernes skoleatmosfære, som filmen ønskede at skabe. Det introducerede og adskiller tegnene på lavvandet Marty, stikkende Rizzo og søde, bubbly Frenchy, og de af Dannys kvindelige "T-Bird" venner.

Olivia Newton-John viste sin stærke sangstemme, hvis ikke stærk skuespil, mens John Travolta fulgte sin populære rolle i Saturday Night Fever (1977) med en lige så anerkendt rolle og begyndte en meget lang og vellykket karriere i film.

5

Forår for Hitler Producenterne (1968/2005)

Jeg er en af ​​de sjældne mennesker, der foretrækker den frygtelige 2005-remake af The Producers end den klassiske, banebrydende original. Jeg føler mig uret for at indrømme det, men der er det. Det er Nathan Lane, og han er fabelagtig, og jeg er svag. Men bekendtgørelser til side er dette musikalske nummer måske et af de mest hilariske, smukkeste satiriske tal, der nogensinde er lavet. Det drypper med Mel Brooks 'rambunctious wit.

Mel Brooks mente, at den bedste hævn, vi kunne tage på Adolf Hitler, for at påføre sådan had og elendighed på verden, var at mocke ham nådeløst, og han gør det. I 1983-genindspilningen af ​​at være eller ikke være han, fremstår han som fuehreren selv og spørger: "hvad vil de have fra mig !? Jeg er godmodig! Jeg er godhjertet! Jeg ser godt ud! "Når han opdager, hvad de udenlandske aviser kalder ham og fortsætter med at synge, at han ikke ønsker krig, vil han have fred! Et lille stykke af hvert land i Europa.

Producenterne var en af ​​hans mest succesfulde og elskede komedier, sammen med Gene Wilder med Zero Mostel, og skabte et af de sjoveste og mest offensive numre i musikhistorien. Brooks tilpassede senere filmen til scenen og gjorde det til en musikalsk. Nathan Lane optrådte som Max Bialystock i sceneproduktionen og tjente sin anden Tony-pris. Hans erfaring på scenen er måske, hvorfor han gik bedre end Mathew Broderick i genindspilningen, og er så sjov som den lurvede Max Bialystock.

2005-genindspilningen er faktisk mere en troende genindspilning af scenen musikalsk end den originale film, som ikke havde nogen af ​​de musikalske numre, der senere blev skrevet til scenen ("Vi kan gøre det", "Hold det Gay" Sig aldrig godt om åbning af nat, "" Forrådt ", osv.) Og forskellige tegn til genindspilningen. For eksempel er Hitler i 2005-genindspilningen afbildet som meget effektiv, mens han i original er afbildet mere som værende et narkotikamisbrug.

Filmen og den musikalske både center på Max Bialystock (for øvrigt er 'Bialystock' også den polske by Brooks 'forfædre bosat i, og som blev ødelagt af nazisterne i anden verdenskrig), der mødes med den mousy revisor Leo Bloom for at gøre det største floppet i historien, i håb om, at de penge, de hæver til produktionen, vil være langt mere end det, der er nødvendigt. De vælger "Springtime For Hitler", et spil bestemt til at fornærme mennesker overalt, og ansætte en kitschy instruktør, den vanvittige nazistisk-sympatiserende dramatiker og inaktive skuespillere for at sikre, at musikken har den korteste runde på Broadway i historien.

At omdanne nazistiske tyskland til en scene musikalsk er bare den mest offensive ting, som nogen kunne forsøge, men med sin utrolige overvældende sindssyge er "Springtime for Hitler" ikke andet end strålende i sin forsætlige smag. Både 1968 og 2005-versionerne af "Springtime for Hitler" -scenen omfatter stærkt Brooks satiriske humor, men originalen har den fordel at være, godt, originalen. Og for at have Brooks dubbe en af ​​danserens linjer ("Vær ikke dum, vær smart. Kom og vær med i nazistpartiet!"), Men i 2005-versionen ser vi som en smule klædt soldat, at kvinder tager tappene ud usynlige granater med deres tænder, mens en blond John Barrowman (Torchwood) dons en tysk uniform. Det er en hård en.

4

La Vie Boheme RENT (2005)

http://www.youtube.com/watch?v=czJHTEeEJmU

Selvom det ikke nødvendigvis var en særlig mindeværdig film i sig selv, producerede RENT en virkelig fremragende scene, og det blev ledsaget af sangen "La Vie Boheme." Baseret på sceneproduktionen med samme navn, RENTER centre på de fattige bohemians liv, der bor i New York. Blandt dem er en filmskaberen, en musiker, en stofmisbrugt eksotisk danser, en transseksuel og en filosofiprofessor (begge har aids) og en bisexuel performancekunstner.

Det virker som en overfyldt og lidt forvirrende forudsætning for en musikalsk, men leje handler ikke om lystløs komedie eller romantik. Det behandler talrige kontroversielle spørgsmål og fokuserer især på AIDS panik i slutningen af ​​1980'erne og 1990'erne. Det er også baseret på Puccini operaen La Boheme, som har en lignende historie af kæmpende kunstnere og musikere.

Filmen er mere eller mindre en serie af gritty, hårdførende tal, om mange problemer, som seksualitet og heroinafhængighed. Sceneproduktionen gik langt bedre end filmen og vinde Tony for Best Musical, mens filmen lider af den "staginess", der så ofte fremmer publikum fra musikaler. Dens (undertiden overvældende) dystre materiale er ikke nok til at kompensere for, at der er meget lidt dialog, og nogle af numrene virker ubehagelige og urealistiske ud fra scenen. Nogle af de disheveled bohemians scener, der pludselig bryder ind i sangen, er meget klumpede.

Men mangler til side, "La Vie Boheme" er et af de lettere, sjovere tal, der giver den nødvendige nødhjælp fra det ædru drama. I stedet for at fokusere på bohemiernes vanskeligheder omfatter "La Vie Boheme" deres forskellige forskelle og tager et stærkt standpunkt mod konvention, konservatisme og fordomme. Nummeret er klumpet og vittig og tager særligt sigte på bohemiernes ex-roommate Benny Coffin III (Taye Diggs), som de føler har forrådt og forladt dem. Benny tager en mere realistisk tilgang til deres situation og påpeger, at de sult og lever i et farligt, beskidte kvarter, men synes at være rystet af viser af seksualitet og modvilje.

Sangen henviser også til The Wizard of Oz i linjen: "Hvorfor Dorothy og Toto gik over regnbuen for at sprænge Tante Em. La Vie Boheme! "

3

El Tango De Roxeanne Moulin Rouge! (2001)

I 2001, efter en begrænset udgivelse i USA, indledte Moulin Rouge en langsom, men sikker dominans over boxkontorer verden over. Baz Luhrmann, med sit uberegnede, skarpe varemærke, skabte en film med enorm magt og appel og tog ideen om "jukeboxmusicals" i større omfang end nogen anden film havde før. Det refererede til et stort udvalg af kunstnere og musik, især i sangen "Elephant Love Melody", hvor et flertal af sangen er lavet af enkelttekster fra berømte kærlighedssange fra kunstnere som The Beatles, Whitney Houston, David Bowie, Elton John , og U2.

"El Tango De Roxanne" (baseret på sangen "Roxanne" af The Police) finder sted i slutningen af ​​filmen.Kristen og Satin er elskere, men hertugen forsøger aggressivt Satin og giver ingen hemmelighed om, hvad der vil ske, hvis han opdager, at Satin er utro til ham. Som antallet begynder, har Satine været tvunget til at tilbringe natten med hertugen, og kristen er intens jaloux. Når han sidder i broderi stilhed med de andre beboere i Moulin Rouge, tager han sin vrede ud på en af ​​de andre prostituerede og opfordrer hendes elsker, den ubevidste argentinske (Jacek Koman), til at gengælde mod kristen og beskylder ham for at bringe det på sig selv bliver forelsket i en kvinde, der sælger sig selv: "Når kærlighed er den højeste byder, kan der ikke være tillid. Uden tillid er der ingen kærlighed. "

Nummeret er næsten en throwback til 'Golden Age' biografen, i den måde, at den centrerer sig i vid udstrækning på traditionel, partnerskabsdans. Dette var almindeligt i ældre musikaler: "Pick Yourself Up" fra Swing Time (1936), "You Was Meant for Me" fra Singin 'I regnen er "Girl Hunt" fra The Band Wagon (1953) eksempler blandt utallige andre . Men det syntes at tabe popularitet som tiden gik på og blev stadig sjældnere, måske fordi det i stigende grad var svært at overbevise de yngre, mere kyniske publikum om en realistisk situation, da et par sporadisk burstede ind i dans sammen. Kontrastfuldt er kaotisk improviseret dans, som i "La Vie Boheme", langt lettere at integrere.

Men i Moulin Rouge fungerede billedet af rækken af ​​par, der dansede i "El Tango De Roxanne", spektakulært, på trods af den vanskelige opgave at sy sammen med den sekundære plot af Satine og Hertugen. Det er et eksempel på fejlfri musikalsk biograf. Der er ingen søm mellem den talte dialog og musikken, den smelter sammen perfekt.

Laced mellem tango fra mænd og kvinder i Moulin Rouge, vi ser scener af Hertugen og Satine spisning sammen. Hertugen mener, at Satine er slået sammen med ham, og er overdådige gaver på hende, men hans humør er snart kommet, når han indser, at det ikke er ham, som Satin er forelsket i.

I øvrigt spilles den vigtigste danser i denne scene ("Roxanne") af Caroline O 'Connor, en berømt australsk skuespillerinde, der er bedst kendt for sin rolle som Velma Kelly i sceneproduktionen af ​​Chicago.

2

The Cell Block Tango Chicago (2002)

Jeg læste for nylig, at en kritiker ved at gennemgå Chicago havde troet, at "Cell Block Tango" havde spillet ud i filmen, ligesom den havde på scenen, og jeg kan fortælle dig, at ingen der har set både film og sceneproduktion kunne gøre et sådant krav. Sceneproduktionen er centreret stærkt på minimalisme, og handlingerne foregår meget som et vaudeville-show, den type show, som Renee Zellwegers karakter Roxie Hart desperat ønsker at stjerne i.

Ziegfeld-follierne beskrives ofte som en "højere klasse" af vaudeville-sorten, der viste sig fra slutningen af ​​1880'erne til 1930'erne. Vaudeville shows var lavet af en bred vifte af handlinger, alt fra "freak shows" til sang og dans. Det havde sædvanligvis også de arktypiske smukke, kostume-klædte korpiger. For at bevare denne vaudeville-smag præsenterer Chicagos sceneproduktion både klassiske dansnumre, som "All That Jazz" og "Jeg kan ikke gøre det alene" og andre forestillinger, som den "ungarske forsvindende lov".

Filmen holdt også vaudeville smagen af ​​nogle af numrene, men det var selvfølgelig muligt at skabe meget mere indviklede, komplekse scener, som sceneproduktionen. Meget som "El Tango De Roxanne", hvor der ses cutaway scener af Satine og Hertugen, bruger "Cell Block Tango" cutaway scener af Roxy i fængslet for at skabe to plotter, et der forekommer i Roxys sind og det andet der er virkelighed. Der er andre eksempler på dette. Særligt bemærkelsesværdigt er scenen, når en af ​​de fængslede kvinder hænges. Den hængende scene er snoet mellem skud af en "magisk handling" kaldet "Berømte ungarske forsvindende lov". Scenen er mindre effektiv på scenen, fordi publikums fokus er opdelt mellem at se den "forsvindende handling" og den faktiske hængende.

Kritikeren er korrekt, fordi filmen har taget på "Cell Block Tango" kunne være blevet oversat til scenen, da der ikke blev brugt CGI-effekter i scenen. Men det skulle være en produktion af Phantom of the Opera størrelse proportioner for at opnå en sådan feat.

På trods af de ekstra fordele ved cutaway scener (og et stort budget) er filmens "Cell Block Tango" ellers ret simpelt. Det er i det væsentlige en ekstremt slank, stor skala vaudeville handling. Konceptet involverer hver mordinde i Cook County Fængsel, der fortæller det mord, hun begik, ved at bruge et rødt tørklæde til at efterligne "hvor blodet ville have været".

Den sceneproduktion, som filmen er baseret på, er i sig selv faktisk baseret på en film (faktisk to film), der igen er baseret på de to meget offentlige forsøg på to mordinder i 1920'erne Chicago. Historien er blevet taget til skærmen to gange før, en gang i en stille 1927 film med samme navn, og igen i Roxie Hart (1942), hvor Ginger Rogers (Fred Astaires valgmands partner) fremstår som Roxie.

1

Et eller andet sted over regnbueøren Wizard of Oz (1939)

Jeg besluttede at tilføje dette som en slags ekstra, fordi det har indlysende forskelle på de andre scener. Det mest oplagte er, at det indeholder ingen dans. Men en oversigt ville helt sikkert blive foretaget, hvis denne klassiske scene blev udeladt (yay for agent mindre sætninger). Wizard of Oz lancerede en 17-årig Judy Garland i stardom.Før denne film var hun optrådt i flere små, uhyggelige film, og det var først, før hun udførte "You Made Me Love You" på Clark Gables fødselsdagsfest, at hendes firma MGM syntes at realisere sit potentiale.

Wizard of Oz slog Judy ind i et husstandsnavn, og efterfølgende optrådte han i flere succesfulde musicals: Mød mig i St. Louis (1944) ved siden af ​​Fred Astaire i påskeparade (1948) og ved siden af ​​Gene Kelly i The Pirate (1948) . I tre år gammel optrådte også datteren Liza Minnelli ved siden af ​​hende i The Good Old Summertime (1949).

I lighed med Marilyn var Judys liv ekstremt foruroliget og kontrolleret af fem ægteskaber og mange anliggender (nogle af hendes påståede kærester indbefattede Frank Sinatra, Yul Brynner og Orson Welles) samt flere forsøg på selvmord. Hun beskyldte ofte MGM for at få hende til at føle sig utilstrækkelig til hendes udseende og behandle hende dårligt. Ligesom mange film figurer af hendes tid, hun led af et alkohol problem, og en receptpligtig narkotikamisbrug, og det kan have ført til hendes overdosis og død i 1969, i en alder af 47 år.

Judy er stadig en af ​​de mest anerkendte og berømte skuespillerinder hele tiden. Denne status er hjulpet af The Wizard of Oz 'vedvarende popularitet, og sangen "Over The Rainbow", som gjorde hende til en stjerne og bragte hende stærkt sang stemme udbredt beundring. Sangen snagged # 1 på The American Film Institute's liste over "Greatest Songs" i løbet af de sidste 100 år. Sangens wistful tristhed er stærkt forbundet med Judy og hendes ultimativt tragiske liv.

Judy var ofte meget åben over problemerne i sit liv, og hendes ord antydede ofte på dyb ulykke. Hun blev citeret i biografi Judy (1999) og sagde: "Jeg ville tro og jeg prøvede min forbandede at tro på regnbuen, at jeg forsøgte at komme over og kunne ikke. Og hvad så? Masser af mennesker kan ikke ... "

+

Babbitt og Bromid Ziegfeld Follies (1945)

Mindre film end en række individuelle musikakter, Ziegfeld Follies kan prale med en masse stjerner: Fred Astaire, Gene Kelly, Judy Garland, Cyd Charisse, Lucille Ball, Lena Horne og en af ​​de originale Ziegfeld Follies-piger, Fanny Brice.

Ziegfeld-follierne var overdådige teatralske shows, der løb fra 1907 til 1937, og for det meste fremvist kvinder, der synger, danser eller bare viser deres udseende og figurer. Ziegfeld Follies var kendt for deres ekstravagance. Skaberen, Florenz Ziegfeld Jr., forestillede ideen om at tage den populære vaudeville-forudsætning for uafhængige musikalske handlinger og derefter omringe dem med grand sæt og kostumer. Han havde også scener, hvor smukke kvinder simpelthen ville stille på forskellige måder og kaldte disse "levende billeder".

Historien om Ziegfeld Follies er ekstremt interessant og kontroversiel, men alt for lang til at diskutere her. Det giver alligevel et yderst rigt lærred til enhver film. Desværre er Ziegfeld Follies 'forudsætning ret svag, og består af Florenz Ziegfeld, der sidder i himlen, og mentalt konfronterer de scener, der følger. På trods af denne sparsomme historie, "The Babbitt and the Bromide" er virkelig bemærkelsesværdigt. Side om side er to legendariske dansere: Fred Astaire og Gene Kelly. Det ville være den eneste gang de to ville danse sammen i deres karriere, bortset fra det er underholdning del II (1976), 31 år senere.

Handlingen består i sig selv af et "Babbitt" og et "bromid" møde på gaden og påbegynder en meningsløs og lavvandet diskussion. En "Babbitt" er et ret uklart ord for en selvtilfreds, snæversynet middelklassen mand, og et "bromid" er et ord for en uoriginal eller uendelig talesag, hvilket tyder på, at Fred Astaires karakter også er begge disse karakteristika (forudsat at Astaires karakter var bromidet, tror jeg ikke, det nogensinde var blevet behandlet). Fred Astaires nåde og præcision, Gene Kelly's fysiske styrke og bemærkelsesværdige koreografi færdigheder gør for en klassisk og uforglemmelig scene.

Det er også mindeværdigt, fordi det ses som møde for to genier, især da de to mænd spiller sig selv og ikke tegn. De driller hinanden i begyndelsen af ​​scenen, Gene gør en henvisning til Freds hyppige dansepartner Ginger Rogers, og Fred gør det samme til Gens dansepartner Rita Hayworth i 1944-film Cover Girl.