10 Grim Temaer Of Death In Western Art

Kunst er ofte tematisk-kunstnere har udforsket fælles ideer i forskellige medier og fra forskellige perspektiver gennem alle aldre. I middelalderen, der begyndte omkring det 14. århundrede, tog kunst en tur mod mørket, da pesten kendt som den svarte død faldt ned på Europa som apokalypsen selv. Denne periode blev ofte fyldt med fortvivlelse og håbløshed, og for første gang blev flere forskellige temaer, der drejede sig om døden, udviklet eller undersøgt mere.

10Plague Art

Det er umuligt at understrege den effekt, som den svarte død havde på middelalderlige samfund. Peaking i Europa et eller andet sted mellem 1348 og 1350 med yderligere udbrud i 1361 og 1430'erne, var pesten en bacillus, der kunne blive kontraheret af bid af en inficeret loppe eller rotte eller gennem luften, afhængigt af sorten. Den første bølge af den svarte død dræbte en anslået 25-50 procent af Europas befolkning.

Pesten fik sig til at føle sig gennem middelalderkulturen, hvor folk fandt et udløb for at udtrykke deres kollektive fortvivlelse og depression. Kunstnere, der tidligere havde malede glædelige scener, der skildrede ond hengivenhed eller høje illustrationer af menneskehedens præstationer, vendte nu til scener af død og ødelæggelse. Religiøse temaer blev også mørke, idet de fokuserede på helvete og syndens løn, og i stigende grad vendte ryggen mod himmelens belønninger eller rituals bekvemmeligheder. Det var i dette makabre miljø, at flere temaer begyndte at dukke op om at dreje rundt om døden i den tidlige europæiske kunst, ikke mindst hvor selve pesten var.

Giovanni Boccaccio brugte den svarte død som baggrund for sin klassiker Decameron, en historie om mænd og kvinder, der flyver byen til en lille villa for at undslippe pesten. De dejlige historier, de fortæller, mens de gemmer sig, er et stærkt modvægt til ødelæggelsen foregår udenfor. Begravelsesprocessescener - allerede et fælles tema i kunst - blev malet og viste ikke berømte konger eller hellige som tidligere men anonyme pestofre, da de blev ført til graven. Da flere og flere mennesker begyndte at se pesten som en form for guddommelig fordømmelse, understregede kirken betydningen af ​​frelse gennem religiøs ritual og omvendelse som det rette middel til bekæmpelse af epidemien, en holdning afspejlet i værker som brothers brødre ' Processionen af ​​Saint Gregory (1300) og James le Palmers belysning af det 14. århundrede til Omne Bonum, som viser pestofre, der modtager præstens velsignelser.

Realistisk malet scener af patienter, der blev behandlet på hospitaler og hjemme var udbredt, især under renæssancen. Disse blev ofte ledsaget af nøjagtige skildringer af de døde sår og hævede pustler, som i Jacopo Robusti s St. Roch i hospitalet. ("Plage Saints" var en genre i sig selv.) "Dødsbed" scenen, hvor en døende person er ceremonielt omgivet af kære, stammer fra den svarte dødsperiode i 1400'erne. Der var også en tendens til at skildre skulpturelle figurer på grave som egentlige lig, ofte med tegn på pest eller endda fuldskelet, i stedet for idealiserede portrætter af afdøde. Da døden blev en grim virkelighed og himlen en fjern abstraktion, realisme gjorde et godt comeback inden for europæisk kunst.

Disse er blot et par eksempler på, hvordan den svarte død havde direkte indflydelse på middelalderenes kunst gennem oplysningen, som inspirerer os til denne dag. I 1988 udgav avant garde diva Diamanda Galas den første rekord i hende Plague Mass trilogi, Masque of the Red Death, et sortdød-inspireret blik på AIDS-epidemien, der helt sikkert blev optaget i helvede.

Køb denne utrolige udgave af St. Gregory's død på Amazon.com!

9Death Som En Reaper Of Souls

Alle kulturer i alle tider og steder har personificeret døden i en eller anden form. For os moderne mennesker er en af ​​de mest genkendelige personifikationer den Grim Reaper. I dag findes han hovedsagelig på heavy metal album covers eller goth smykker, men til middelalderens verden var han en autentisk terror.

Tanken om døden som en reaper, der holder en scythe, som han bruger til at høste sjæle, er en opfindelse fra det 15. århundrede, der bygger på mange tidligere kilder. Inspirationer fra den græske mytologi omfattede Titan hedder Kronos (hvem romerne kunne have forvirret med Chronos, tidens gud) og bådføreren af ​​floden Styx i underverdenen navngivet Charon. Før sin moderne form blev fuldt udviklet i Europa, blev døden sædvanligvis portrætteret som et lig med en kuglestang, dart, bue eller et andet våben. Det var under pesten, at Europa begyndte at skildre døden som et skelet med en skytten og iført en sort (eller undertiden hvid) kappe. Han blev sædvanligvis portrætteret som en vejledning, der ville fremstå på emneets udpegede time for at lede dem væk, selv om han i senere fortællinger faktisk tog livet selv, og ofre kunne snyde eller forhandle med ham.

Døden som hoveder kan findes i enhver form for kunst i hele Europa. Han er optrådt i skuespil, sange, poesi, romantisk litteratur og bawds. Han cavorts gennem de mørkere malerier af Breugel og er ofte figur af "danse macabre" kunst. I skulpturen tjener en biskop fra det 17. århundrede i tyskernes katedral i Trier ledsaget af Grim Reaper som et godt eksempel. Mens Bibelen aldrig portrætterede døden som en reaper, brugte mange kunstnere fra det 15. århundrede motivet i bibelsk kunst. Gustave Dore gravering af Døden på en bleg hest (1865) er et særligt dramatisk eksempel.

8Dans dødedans

En tro udviklede sig igennem pestårene, at de døde kunne rejse sig fra deres kirkegårde og tegne enhver uheldig forbipasserende til en ghoulish dødedans.Disse folkloriske overbevisninger, der blev fremkaldt af perioden poesi om dødens uundgåelighed og et traditionelt dramatisk spil, der blev vedtaget i Tyskland, fandt hurtigt deres vej ind i europæisk kunst som et samfundsmæssigt allegorium om dødelighed, der blev udbredt i popularitet. Meddelelsen er tydelig i danse macabreIngen undslipper døden, så det er klogt at forberede din sjæl til sin tid for regning.

Det danse macabre portrætteret klassernes hierarki, fra pave til almindeligt barn, engageret i daglig rutine, da de blev tvunget ind i dødens ventende arme. Et af vores tidligste billedeksempler er fra en række malerier skabt i 1424-1425 og tidligere vist i Cimetiere des Innocents i Paris. Originalerne blev ødelagt i 1669, men Paris-printer Guy Marchant bevare deres essens i en række træskæringer sammen med de vers, der fulgte med dem.

Motivet nåede sit ultimative udtryk i Hans Holbein de yngre træskæringer og vers Dødsdansen. Den blev første gang offentliggjort i 1538 som en bog med 41 træskæringer, mens senere tilføjelser i 1545 og 1562 bragte denne tæller op til 51. Hele teksten, såvel som alle træskærerne, kan findes online her. Et andet fantastisk eksempel, denne i maleri, er Bernt Notkes Danse Macabre. Det blev ødelagt under bombning i Anden Verdenskrig, en begivenhed, der blev betragtet som et stort tab for kunst.

7Dance af skeletterne

Et andet tema i forbindelse med dødedansen er skelettens dans, som vi først og fremmest kender ved en træskæring af den tyske humanist og den tidlige kartograf Michael Wolgemut, der optrådte i Liber Chronicum ("Verdens Kroniske"), en bog skrevet af Hartmann Schedel og udgivet i 1493. Skelettens dans er forskellig fra dødsdansen, idet den er strengt baseret på folklore, uden social eller moralsk besked. Skeletter er normalt afbildet kommer frem fra åbne grave, cavorting omkring, og ofte spiller musik og dans. Wolgemuts træskæring er et smukt eksempel på genren, som blev brugt til at illustrere og spænding frem for at uddanne eller prædike for seeren.

Skelettedansen var et kortlivet tema i tidlig kunst, med få overlevende eksempler. I nyere tid er det opskåret i musik, da Camille Saint-Saens baserede sin 1874 Danse Macabre på dansedans og skelet dans temaer. I film genoplivede Walt Disney og Silly Symphonies temaet i 1929 i den udødelige og ofte efterligne korte tegneserie "The Skeleton Dance", hvor fire skeletter danser rundt om en kirkegård og terroriserer de levende beboere.

6Anamorfose og skjulte symboler af døden

Anamorfose, som betyder "billedet inden for billedet", er en teknik, der nogle gange anvendes i kunst til at skabe skjulte billeder, der kun kan ses korrekt fra bestemte vinkler eller under de rigtige forhold. Det blev først set i Europa i 1485, da Leonardo da Vinci brugte det til at skildre et menneskeligt øje. Flere kunstnere har indarbejdet anamorfose i temaer af døden, hvoraf den mest berømte eksempel er Hans Holbein den yngre s Ambassadørerne (1533).

Maleriet er et dobbelt portræt af Jean de Dinteville, den franske ambassadør til Henry VIII, og hans barndomskvinde Georges de Selve, biskoppen af ​​Lavaur, der også adskillige gange optrådte som ambassadør. Den blev malet i Reformationens tidlige år og er overflod af politisk og teologisk symbolisme på disse temaer, men det mest nedslidende element er en mærkelig, langstrakt ovalt form i bunden af ​​maleriet, som løser sig i en kraniet, når man ser det sammen med øjet på en position i nærheden af ​​biskopens hånd. Et af formålene med denne skjulte kranium var at minde de magtfulde spillere involveret i problemerne i denne tid for at være ydmyge og opmærksomme på deres dødelighed.

Anamorfose og andre former for skjulte billeder er blevet brugt gennem kunsthistorien siden Da Vincis dag. Et senere eksempel er Charles Allan Gilbert's Alt er forfængelighed (1892), hvor en victoriansk dame beundrer sig i et spejl, der med et skift i syn bliver til en kraniet. Du kan finde et nutidigt eksempel på anamorfose i dødsemne i den ungarske kunstner Istvan Orosz 'værk, der skaber illustrationer med en middelalderlig trækfødning, der altid skjuler en kranium.

5Ded og jomfruen

Temaet om død og pigen kan spores helt til oldtidens Grækenland og historien om Persephone, som blev kidnappet af Hades og bragt til underverdenen efter at have valgt narcissusblomsten. Et af dets temaer er kendt - at døden overvinder alle, selv kvindernes stolte skønhed - men i det 15. århundrede begyndte temaet at få unikke egenskaber og blev åbenlyst seksuel. De kvinder, der blev omhygget i armene af legemer eller skeletter, var nu involveret i et intimt samleje med døden.

Mellem Niklaus Manuel Deutschs Dødsdanser og Død og jomfruen (1517) kan vi faktisk se overgangen. I den første danser dansen med en elegant dame og placerer begge knoglehænder fast på sine bryster. I sidstnævnte er døden ikke mere dansende - han omslutter hende fuldt og kysser hende kraftigt som hænderne går til hendes kønsorganer. Jomfruen forsøger at modstå men hjælpløs at gøre det.

Denne stærkt erotiske billeddannelse, som nogle gange blev brugt af kunstnere til at retfærdiggøre nøgternes malerier til kirken, blev brugt igen og igen i løbet af det 15. århundrede og derover. Et maleri i en serie malet mellem 1518 og 1520 af Hans Baldburg Grien skildrer en Madonna-lignende nøgenfigur, grebet af et tørret lig, mens sæd og fostre, der var symboler for fornyelsen af ​​livet, drejede sig om dem. Denne symbolik ville blive brugt igen af ​​Edvard Munch i hans Død og Liv (1894).

Et af de mest magtfulde moderne eksempler er en tegning af den tyske avantgardeartist Joseph Beuys.Opret i 1959, afbilder døden og pigen på en kuvert, der bærer stemplet for en organisation af overlevende Holocaust. I denne tegning er både død og pige uvæsentlige og udtørrede, et testamente for livets flygtige natur og dødens billighed i den katastrofe.

Et lignende dødsrelateret tema, der stod op i kunstens kunst, hedder "menneskehedens tre år", selv om det normalt skildrer kvinder. En figur vises efter hinanden som et barn eller nyfødt, en ung voksen og endelig en middelaldrende kvinde, hvor døden står for at lede motivet væk fra underverdenen. Et godt eksempel er Greins De tre år af menneske og død (1510).

4Triumph De La Mort (Dødens triumf)

Meget mere forstyrrende end dødens dans var motivet om "triumf af død" et andet tema, der var almindeligt blandt middelalderlige kunstnere. Ligesom dansen var den underliggende besked, at dødeligheden er uundgåelig, men i modsætning til "dansen" viser "triumf" -temaet døden som et kaos- og ødelæggelsesinstrument, en brutal diktator, hvis minions fejler over alt og ødelægger alt i sin vej. Det var især forbundet med krigstid og pest. Dette tema går tilbage til mindst 1400-tallet, da det allerede var en udbredt ide, da en ukendt kunstner malede en fresco i Palazzo Sclafaniin, Palermo i det sydlige Italien. Dødens triumf (1445) har et buevævende skelet, der kører en skelethest og skydepile ved sine mål, middelalderlige landsbyboere i alle samfundslag, der går rundt om deres daglige rutiner.

Det ubestridte mesterværk af dette tema er Dødens triumf (1562) af Pieter Bruegel den Ældre. I maleriet bliver en en gangs fredelig middelalderlig landsby reduceret til et apokalyptisk ødemark af en hær af kroppe og lig. Det er ligesom Bruegel udslettet hver eneste af hans middelalderlige scenemalerier i et lærred. Bogstaveligt talt løber hundredvis af skildringer og symboler i hverdagen gennem maleriet, hver en lille moralske leg, hvis speciale er døden. Selv en konge får ingen udsættelse. Et lig viser sin timeglas, der løber tør for tiden, og kongen bukker sig ud som et andet pansret lig hjælper sig med sin samlede formue. Alt er tabt. Alt er forgæves. Døden triumferer altid til sidst.

Dødens triumf er bredt betragtet som en af ​​de vigtigste malerier af sin tid. EN Wall Street Journal artiklen bemærkede, at "Brutaliteten af ​​disse billeder har givet Bruegels billede en kedelig og vedvarende relevans. Det ser ud til at foregribe beskrivelser af trettiårskriget i det 17. århundrede. De fleste forstyrrer et perspektiv fra det 21. århundrede, som vises til højre for billedet til at være rektangulære beholdere, hvor mennesker tvinges inde og sendes til deres dødsfald. Enhedernes lighed med nazistiske teknologier for masseudryddelse har ramt mange seere. "Så længe der er krig, hungersnød, pest og død selv, vil Bruegels mesterværk fortsat være et maleri, der forstyrrer os, selv om det resonerer.

3The Grateful Dead

Motivet i den "taknemmelige død" er sjældent i billedkunst, mere almindeligt forbundet med folklore og litteratur. Legends om den taknemmelige døde drejer sig om to grundlæggende temaer. I den første udfører nogen en tjeneste eller en tjeneste til en, der er død, såsom at tage sig af ubetalte gæld eller betale for en begravelsestjeneste og belønnes på en eller anden måde af sin ånd. I anden omgang kommer en person med stort behov for hjælp ind på en kirkegård og beder om hjælp. De døde rejser sig fra deres grave for at hjælpe de levende.

Den førstnævnte går tilbage til det gamle testamente med den apokriske bog Tobit. Det blev senere hentet i litteratur, især i middelalderlige romancer. Sidstnævnte kan ses i en freske kaldet The Grateful Dead's Legend, malet i Schweiz af en ukendt kunstner i begyndelsen af ​​det 16. århundrede og restaureret i 1740. Det viser en mand, der blev jagtet af et band af tyve i et ukonsekret kirkegård, hvor han knæler for at bede. Før de morderiske tyve kan nå ham, graver graverne omkring ham med dødens legemer, der skynder sig for at forsvare manden med pinde og dybder, taknemmelige for de bønner, der vil give dem mulighed for at hvile i fred.

Budskabet om de taknemmelige døde historier er meget forskellig fra de fleste dødsrelaterede temaer i europæisk kunst, måske fordi minder om pesten faldt, og flere mennesker tillod sig at være positive over fremtiden. De mindede de levende om at tænke på deres kære og holde dem i deres bønner og huske dem, der var væk.

Døden er også et fælles motiv i popkultur. Køb denne fantastiske Death of Superman Plakat på Amazon.com!

2Skulls Art

Måske har intet andet ikon haft sådan en universel indflydelse på symbolik og kunst end menneskeskallen. Dens symmetriske egenskaber er visuelt tiltalende for øjet, selvom dens oplagte forbindelse med døden fascinerer og afstødes samtidig. Næsten hver eneste kultur har gjort brug af det, oftest som et symbol på dødelighed, men nogle gange som en bekræftelse af livet, såsom Mexicos brug af kranier og skeletter under Dia de los Muertos ("Day of the Dead") festivaler.

Kraniet er ofte indarbejdet i stadig liv malerier sammen med andre relaterede objekter. Nogle gange blev det brugt et sted i et maleri som en dødsangivelse eller malet på bagsiden af ​​portrætter for at tjene samme formål. En kraniet kan også bruges som erstatning for det aktuelle emne i et portræt, hvis personen var død. I Braque Family Triptych (1452) af hollandsk maler Rogier van der Weyden, er en kraniet afbildet ikke kun som en memento mori men en skildring af patronen, hvis præstationer er symboliseret af teglsten og familiekammen, vises også.Kraniet var et fælles træk ved smykker selv i middelalderen, da både mænd og kvinder i høj klasse havde medaljoner, der blev indgraveret med ansigter på den ene side og kranier på den anden som en påmindelse om døden og forpligtelsen til at føre moralske liv.

På grund af deres æstetiske appel blev også kranier ofte anvendt til ikke-symbolske og rent dekorative formål. Cezannes De tre kranier (1900), en af ​​flere malerier han gjorde af emnet, kombinerer elementer af impressionisme og ekspressionisme, der skaber komplekse interaktioner af lys og form, der har teknisk og følelsesmæssig mening, men uden at lægge vægt på symbolsk betydning, der prædikerede tidligere vestlige skildyrsbilleder. Ved den 18. og begyndelsen af ​​1800-tallet var kraniet blevet et symbol på pirater og derefter rakes, ne'er-do-wells og outlaws. Denne brug fortsætter i dag, som det kan ses i mode og smykker af motorcyklister, punkrockere og andre anti-autoritære subkulturer.

1Anatomi som kunst

I 1697 imponerede den hollandske anatomist Frederik Ruysch Peter den Store, at den russiske tsar købte hele samlingen af ​​sit værk fra Ruyschs anatomiske museum. Anatomiske udstillinger af konserverede menneskeskabte dyr og skeletter var ikke nye, og heller ikke de slags beskedne billedtekster blev ofte anbragt på plakater for at beskrive scenerne, men hvad gjorde Ruyschs arbejde unikt, var, at han gjorde sit bedste for at skildre skønhed af anatomi og død.

Med renæssancen i fuld gang og hukommelsen af ​​pestens tilbagegang, medførte den blomstrende moderne videnskab det nye holdninger til døden og døende. Døden kunne ses som en cyklus igen, et modstykke til livet, der var lige så vigtigt og spændende. Ruysch søgte at fange disse idealer i sit arbejde, som kombinerede balsameringsteknikker med skulpturelle og maleriske koncepter for at skabe værker, der indarbejdet mummificerede børn og bevarede fostre og skeletter med stilleben og kunstneriske udsmykninger, der blev skabt med andre anatomiske detaljer, herunder træer og buske dannet fra menneskelige arterier og klipper dannet af nyresten.

Ruysch fortsatte sit arbejde gennem det 17. århundrede. Desværre overlever ingen af ​​hans dioramer i dag, selvom nogle få dekorerede babyer bevaret i krukker stadig eksisterer. Vi kender dem takket være gravernes arbejde, hovedsagelig Cornelius Huyberts, som udgav dem i Thesaurus Anatomicus.